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不想說明　只想反應 —— 二〇二〇的眾樂喧嘩

影像聯繫　城市想像

十年前的【志明與春嬌】原聲將法蘭西式情調在地化，後巷點煙、膠袋飄浮，港式生活都成了一幕幕愛的定格；再早十年有【花樣年華】優雅卻淡淡憂愁的弦樂，教人聯想起穿着旗袍的女子在樓梯間拿着飯壺慢走的姿態。影視作品配樂向來能跟地方的空間連結，這年頭【幻愛】、【金都】的拍攝與譜曲的締結，正是在鋪陳着香港地區特色的印象。

【幻愛】主題樂《Love Beyond Morals》從帶點神秘詭異的開局，慢慢滑進平順的琴音，然後幾回反復，都有着新一種樂器協奏，鋪墊多層次的情緒，正如電影刻劃的愛情，令人不安到甜蜜再到悲劇發生等劇烈的轉換，與新界大西北的輕鐵站、行人隧道的浪漫化畫面結合的幻象，對照現實潛藏的殘酷與醜惡。

相對【幻愛】的沉重卻虛幻，【金都】則輕盈而踏實地刻劃「麻雀雖小，五臟俱全」的太子金都商場，以及作為港女代表的鄧麗欣（張莉芳）。清淡、偶有幽默的調子，很適合這個女性「都應該要獨立」的故事。

更難得的是這年度還有久違的港劇原聲大碟，並衍生了同名演奏會，乃來自Mike Orange主理的【歎息橋】。劇集的運鏡與節奏故意跟觀眾拉開距離，更突顯音樂的可親，並脫離附屬影像的屬性，自成一獨立創作。全碟主要貫穿於小提琴拉奏與結他彈奏，遊走於希望與絕望之間，如《Is It Just A Dream》像向【花樣年華】致敬般，表現那種男女關係拉扯的張力，不困在泥沼的累贅，而是帶點曖昧與誘惑；輪到來自暗黑改編《Canon in D》的高潮位，就顛覆原曲反復平常中見活力的主題，套進角色走入死胡同的困局。最為人熟悉的片尾樂《Rainbow Bridge》回到介乎兩者之間的平衡，不完全向低谷走，卻也不是積極的正能量，大概就是人走到橋上看風景，遠離起點又未到終點的狀態。

江逸天為現代舞編配的【City of Strange】雖不全是純音樂創作，幾段重點樂章都配上人聲、獨白，只是沉鬱音樂氛圍的突出，始終蓋過要聽清字句的衝動，跳出了本身配搭舞蹈的設定，更能自由勾起不同畫面的想像。經歷過2019街頭的慘烈，到2020年的閉關，香港漸變成一個陌生的城市，情緒（emotion）、回應（response）都無從表述，唯有在樂曲中展現，【City of Strange】這專輯正是一大示範，跟很多同年獨立音樂的創作，都滲透着「墮落」、面前漆黑一片看不見的意境。

CY Leo 何卓彥的【Angel and Demon】以口琴吹奏的形式同樣呈現我城沉淪，當中《Tears》的旋律更似是對台灣經典電影【悲情城市】主題配樂致敬，只是昔日台灣的二二八，今日命運之輪轉到香港之上。有關揭穿社會謊言的主題，對表演者曾墮騙局的個人經歷而言，必更有共鳴。見識世途之險惡，卻沒想過可這樣明目張膽，無遮無掩的在文明面前肆虐。去年點評《圓謊》編曲時曾道「謊言就是疫症」，這可從何卓彥的音樂編排中再次充分體驗。

關於城市的想像，還可用簡約線條切入，所指的是More Reverb在2020年最後一日推出的【asterism】。【asterism】的音樂與影像緊密難分，顯然《一念無明》導演黃進作為樂團成員，有為其視聽效果作出一定貢獻，亦在拍攝上得到更多專業才能之助。像雨灑的白色線條帶出《本質》在其音樂會時的樣式；《入侵》錄像卻在一片白色下填污了黑色的墨，然後逐漸擴散到黑色主導，剩下白點作抗衡。黑與白的混沌在電結他聲環繞下循環，直到最後的清脆鼓聲、環境聲效漸變衰弱，回歸原有顏色。若結合數年前《Glimpse》的畫面，這三首樂章在專輯的順序已可構成一條短片，《入侵》後我們還可跟着聲音提示，再深入《Cold Cave》白線條方塊組成的洞穴、代入《Weather Man》跨越各種人為的暴風雨設定。

與【asterism】同具激發影像聯想力量，卻展示相反向度的，是Jason Kui的【Naka】，不統一縈繞着同一效果，整張專輯不斷有新驚喜去體驗，多元、佻皮而玩味，澎湃極致後又冷卻再循環。《Splash!》與《Pixel Invasion》的打鼓節拍、結他獨奏，都在在表現動感，有如電子遊戲破關的氣勢；到《Naka》在對比之下像回歸田園氣息般平和，如同名字般起中介作用。再後續如同大對決的鋪排，《Dance of Awakening the Spirit, Pt. 2: The Ballad of the Headless Horseman》的主調頗有《猛龍特警隊》影子，怎料又旋即變奏，後期還添上意大利粉西部片式的器樂，全曲就這樣交叉着樂迷預期般層層遞進，正是專輯曲風變化的縮影。

本土國際　身份自由

拋掉了語言的音樂媒介，也不一定要倚賴影像，而自成一片「音景」。不論宣揚本土意識或普世價值，音樂本身就是載體。當我們說着保育廣東話、香港歷史建築時，香港是否也有自己的聲音，並有留存的價值？

hirsk的【nosta/gia 噪噪噪噪切】似乎局部證實着，單從聽覺辨別，也可以聽到香港內容。自動櫃員機的按鍵與出鈔票的運作聲組成了《撳錢》；將密集的屏風樓音檔化就變成《天空之城》；當然我城的音樂本就有了獨特記認，從粵曲到劇集主題曲到K歌方程式，都成了香港的noise（噪音）與nostalgia（懷舊）。專輯還有本地政治的指涉與諷刺，如強逼下一代和諧唱這是美好世界的跑調、新聞不義太多而無法承受的壓迫感。

siu2【荒謬世紀】則聽起來爽朗痛快，《be water》歌曲名字，除卻不言而喻的心意，也準確傳達樂器間轉換（箏與結他）的靈活。前述江逸天鬱悶地奏出城市的陌生，siu2則笑對城市的邪惡、世代之荒謬，將其化作怪雞混搭的樂章，盡情戲弄一番。

有時都會想，聽着純音樂的藝術表達，是否該伴隨着創作起名及文案的解讀？一切嘗試理性建立音樂之間脈絡的意圖，不論是關於城市、身份等政治議題，都可能只是方便標籤，卻反過來被其凌駕於自身，失去音符的純粹，本來不隸屬任何意義之下的自由。像Joyce Cheung張貝芝隨心分享個人喜愛和信仰的【set loose】、Virgin Vacation假日貞操那過癮地轉拍帶聽眾飛馳的單曲《5 step》，都在作品的編曲內（前者是鋼琴、後者更是跳躍於樂器與電子音效間）展現擺脫既定框架，追求某種超越的昇華。

Tjoe Man Cheung x NTBM 朱文長與頭號陣容的【#mixtape】帶着鮮明音色，不同樂器碰撞的火花，在為現代都市生活配上一篇篇即興多變的當下樂章。活力飛揚、自由跳躍的流暢過渡，乃沉浸在聽覺的享受，不需理性思考，回歸身體動作條件反射的認同（隨之搖着頭、擺動手腳）。不過其接近尾聲突如其來地切入《quietness》，有種想發聲卻被要求消音的掙扎，後段一再拉長的悲鳴是在尋問活力城市背後所失去的甚麼嗎？只是終曲《#Pickupjazz》似又再若無其事地嬉戲起來。想來起首《intro》與 Michael Jackson 《Thriller》（evil lurking in the dark）的微妙相通又是巧合還是箇中有所暗示？

之於【#mixtape】的從容，Patrick Lui 雷柏熹爵士大樂團的【sonder】則像蒙上一層壞天氣的灰暗底色，而內蘊始終是連結本土與國際身份。改編愛爾蘭民謠《Danny Boy》最為出色，首先是音樂本身滲透的濃厚懷鄉色彩，次之是愛爾蘭國民會視這曲式為其爭取獨立歷史重要一頁的見證，置於香港脈絡，自是百味紛陳。

也許再純粹悅耳的音樂，真誠的藝術少不免與時代扯上關係。海島小輪進駐商場音樂的聖誕主題《Visitors》也不甘只是功能化的背景音樂，節日氣氛不一定要熱鬧歡愉或溫暖人心。香港人向來行色匆匆，講求效率，聽一段沒有歌詞的音樂往往欠缺耐性，然而在2019抗爭、2020抗疫的洗禮下，這不一樣的節日曲目或能給予走在大商場的朋友一些點滴與漣漪？

海島小輪首張唱片貼近小市民生活，後來的專輯【Telescope】轉而面向大自然，格局的提升，不礙其流露對社會的關懷，如自然科學引申至港人移民潮的《不回歸線》、不同時區下抒發對612感慨的《12小時之後 ~ 在地球的背面》等。綿延的樂曲中，對木棉樹、霧、雨……所有微細不言說之感受，又何嘗不是香港情懷的體現？ Vanish【Seen / Unseen】也有以自然為題的作品，跟城市景貌交錯上演，擷取靈感於香港，投放到音樂則可輻射到全世界。

在浩瀚的反送中運動裡，始終難忘當初推動攬炒論述，英美港盟集會那晚上，黃之鋒說出一句：「香港是國際的香港」，延伸去說明，本土要立足，就不應忘記香港作為國際都會的定位。純音樂的交流本也就有跨越地域的優勢，因為聽音樂是普世共通，沒有地道語言的阻隔，於是海島小輪的新派室樂、siu2的中西混合、朱文長跨國合作的即興爵士、雷柏熹取材不同文化背景等，正好提醒我們這裡東西文化交匯的獨特之處。

結語

本地純音樂單曲及專輯的質量於2020年度皆見重大突破，衝擊着大家欣賞香港音樂的審美及品評標準，也在擴闊樂壇的視野與境界。樂評選現有準則未必能盡涵蓋優秀的純音樂，坊間亦鮮有對這批創作的詳盡介紹，就在此拋磚引玉，望能激起樂迷更多的反響。這兒未必能覆蓋整個版圖，剩下的就待有心人持續發掘。

最後總結本文提及的本地純音樂創作：

2020重點推薦專輯/單曲列表（排名不分先後）

林鈞暉、陳玉彬【幻愛】
林二汶 Eman Lam【金都】
Mike Orange【歎息橋】
more reverb【asterism】
Vanish【Seen / Unseen】
海島小輪 Sea Island & Ferry【Telescope】《Visitors》
hirsk【噪噪噪噪切】
Olivier Cong 江逸天【City Of Strange】
Cy Leo 何卓彥【Angel And Demon】
Jason Kui【Naka】
SIU2【荒謬世紀】
Joyce Cheung 張貝芝【set loose】
假日貞操 Virgin Vacation 《5 step》（2021已推出同名專輯）
Tjoe Man Cheung x NTBM 朱文長與頭號陣容【#mixtape】
Patrick Lui 雷柏熹爵士大樂團【sonder】

*本文為香港樂評選 ‘ 2020 年度總結 而寫。

All about 《L.O.V.E.》- 與你常在可一可再 (下)

All about 《L.O.V.E.》- 與你常在可一可再 (上)

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一個 vs 一班
From Lonely to Variety

一切始於2010年。DUO演唱會促成了這群樂隊而化名為 DUO band; 陳奕迅舞台上高唱《與我常在》，將「一個人」改成「一班人」，賦予了這首孤獨單曲的全新意義，不再是林夕慨嘆只有自己可與自己一起，而是一班音樂同好巡迴時形影不離的主題曲; 同時演唱會的DUO主題延伸，不再只意味著一個人的兩面，也是一群人的獨特個性展現。

跟《與我常在》作DUO對讀的《與你常在》因而率先誕生，昔日「在一起也會不美」變作「常與你一起無法不美」，歌名從我轉為你，也是意義重大，新碟同樣放下了「陳奕迅」三字大名，曲中問道「誰出了新的唱片」，所有人一起唱著DUO，宣示著這個是團隊的企劃，而非屬於個人。

這對於陳奕迅的音樂歷程是一大階段的跨越。甫出道以同名專輯跟樂迷見面，之後兩張極具代表性的《與我常在》《我的快樂時代》都在確立自我，親自譜曲的《時代曲》渴望「你為我留了座」，《與我常在》的恨愛困倦都屬自己，環球時期的重要唱片都希望樂迷聽到陳奕迅，《Listen to Eason Chan》碟如其名、《U87》是他愛用的咪高峰，箇中更有《浮誇》式個人表演。作為流行歌手，高舉自己難避免，但後期走紅得如日中天的陳奕迅，已將其黑面化成個人標記 (《HHHM》)，更甚是其越見敷衍的歌唱表現，不穩定的情緒當作真性情的展露。

之後《準備中》始重拾路向，《L.O.V.E.》就喜見一個更成熟的陳奕迅。他在音樂會上所說的放低 ego，可是身體力行去證明，封套上不突出其位置，並樂於自居樂隊主音身分。於是DUO band 各自有表現空間，每首歌都有樂器獨奏，人聲和音，卻相互協調剛好。稱得上完美的人腳，就是任其在最舒服的崗位盡情發揮，岑寧兒和聲、恭碩良打鼓，盧凱彤電結他、蘇德華結他、Chris Polanco 敲撃、Charlie Huntley 色士風、翁瑋盈小提琴、Charatay合唱團隊間場等。

全碟旋律由樂隊一人一首包辦，輪流安排不同成員的聲音突出，蘇德華的結他帶領聽眾進入他的《敬菸》、岑寧兒創作的《RUN》有她的女聲、恭碩良譜曲《瘋狂的朋友》同樣獻聲，還以其打鼓節奏開展曲目。是次錄音亦有別於一般各有各灌錄的方式，樂隊現場一起唱一起奏，好不熱鬧。《海裡睡人》就是即席創作的成果，盧凱彤先完成副歌旋律，然後加入孫偉明的鋼琴，以及Charlie Huntley 長笛，從即興嘗試配搭而成。他們有各自的語言 (於是有了《Unity》三語共融)，有各自擅於/愛好表達的音樂風格，共冶一爐的《L.O.V.E.》因而多元化，並充滿溫暖的愛，及表演者的熱情與歡笑。歌者唱得從容享受，聽者也能從中感受。

說《L.O.V.E.》成熟，卻不意味著這張創作沒有孩子氣的玩味，相反是玩得更瘋狂盡興，卻不像《Taste the Atmosphere》純粹為玩的不認真，而是突顯了樂隊間一起生活的情誼，穿插《破壞王》《瘋狂的朋友》《與你常在》其中的笑聲、《破壞王》鬼馬聲音表現、和音配合搞怪、Interlude及《可一可再》的故意不合音等，又見Chris Polanco怕熱要開空調，卻不擅中文要求教，成為《瘋狂的朋友》的前奏，歌曲自然收進對話聲，陳奕迅、Chris、恭碩良一路唱一路似在閒談日常; 《破壞王》跟《蠢》主音和音在副歌處仿如對唱的打成一片; 《與你常在》小提琴煞有介事的伴奏，原來在調謔孫偉明彈《浮誇》要送院的趣事，歌者唱得從容享受，聽者也能從中感受。《可一可再》的「可不可想不想再次見面」也勾起電影《鎗火》主題樂音符的記憶，而DUO band也像《鎗火》殺手團隊，正是兄弟間情義之展現，以及高手瀟灑型格的表演。

另一個成熟的見證，是陳奕迅一份薪火相傳的心思。不止在音樂會推動樂隊成員的其他創作 (岑寧兒《盡力呼吸》、陳詠謙《給兒子的信》)，碟內《破壞王》就有推動改革之意，《敬菸》更開門見山談傳承，樂隊最大到最小年紀的交替，由作曲的前輩蘇德華，交捧給填詞的後起陳詠謙。碟中粵語詞作皆出自陳詠謙，當然是因為他作為DUO band一員而專長為填詞，亦因著詞壇不能永遠得兩個偉文，而《L.O.V.E.》一碟少了高深人生哲理比喻的詞句，亦與其直率隨性的選曲更一致。

陳詠謙亦佻皮地在《敬菸》填上了類近「張敬軒」的諧音，恰巧張敬軒推出的新碟亦有傳承 (Inherited) 的元素，他作為陳奕迅「年輕的這對手」自合適不過。至於借火是否在暗示麥浚龍? 《可一可再》一曲英文為The Album，大概也是巧合的緣份。又見另一有趣之處，《與你常在》為 All About Love，竟又是周柏豪新專輯的名字，作為人夫的周柏豪跟他的後援團隊 (周錫漢、黃兆銘) 在歌頌親情、愛情、友情，何嘗又不是一家人般親近?

聽著《敬菸》，突然放任地聯想，這首歌 DUO的對象，會否源自《不來也不去》? 當中有老歌對兒歌、想借火對遞過火、不漲不退對不來不去，副歌重點字為煙/菸。《Delusion》也提示下首歌「佛也有火」，除了戲謔作曲人年紀外，會否也是回應《不來也不去》的佛理? 《不來也不去》由始至終只有我，你來去如煙; 《敬菸》則強調群體凝聚，一首虛空放下，一首執著承傳，來過去過、得過失過，漲過退過，才活出意思。

麥浚龍、謝安琪《The Album》- 睡著點煙，醒來淋浴

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由麥浚龍與謝安琪聲音導航的《The Album》，累積了歌迷們半年的期待，由天后復出以「人妻」綽頭打響頭炮，然後麥浚龍宣佈兩人合輯的概念，加入角色與情節，到年尾邀得古天樂客串，迎來戲劇轉折及宣傳的同步高潮，跟著專輯正式曝光，原來只是 Part One，故事來年再續。

如同影視作品拍成連續系列，《The Album: Part One》就是長篇故事的首部曲，上半段以董折 (麥浚龍) 視點訴說著他跟浦銘心從相戀到相恨的過程，歌名提示著時月的過去，每一首歌的開首都順著上一曲目尾段歌詞展開，意義卻不再一樣。編曲則從《勇悍.17》簡單的結他輕掃，逐漸升級到繁複紊亂的狀態，由浪漫演變成暴力，尤其《困獸.28》每段轉換，主歌到副歌都有情緒的遞進，呈現人物的掙扎，到《暴烈.34》就已成定局，剩下鋼琴鍵狠狠地將關係帶向死局，男聲的失控演繹也表示其不能回頭。

董折自此退場，視點正式轉到浦銘心 (謝安琪)，曲風一轉，豁然開朗。Jerald 主理的《一個女人和浴室》帶點慵懶悠閒的節奏，旋律亦不再急促密集，給予一個細味享受新生的空間。然而男女大不同，代表董折的曲風坦露其心聲，浦銘心卻顯然有曲詞的矛盾，演繹的層次亦更複雜。《浴室》跟著輕快的曲調，詞意卻有著猶疑，副歌前的生活細節都是重獲自由的舒暢，然而副歌就起了問號 – 為何自傷? 為何想重頭覓對象?

Christopher Chak 的綿密旋律讓林夕可以細緻補充情節，同一創作班底的三首作品最連貫亦最有戲劇性，反襯出後來曲風的多變，正如浦銘心的一再變心。浦銘心的不安於室，則表現了謝安琪聲音的靈活性，輕巧地駕馭「做自己都有很多個」之境界。《一個女人和浴室》帶點吟唱的自在，從容帶過連續的歌詞，卻又有時在尾音處停頓或強調，節奏轉換恰到好處; 《一個男人》放輕聲音，甜蜜溫柔卻是稀薄而脆弱、《人妻的偽術》則游走於硬朗與和順之間，有時尾音處理倔強如控訴 (「避免」、「去演」、「慈善」等)，唱到「人妻」、「厚待」、「並肩」等卻又裝回賢妻的收斂;《沐春風》呼吸聲間的誘惑、帶點乾澀的唱腔在渴求滋潤的性感。

藍定凌 (古天樂) 的聲音，不美妙卻溫暖，正如他跟浦銘心的關係，沒有激情卻相處和諧。黃偉文將這段浴室插曲注入生活感，包括剃刀乳霜擠在同一空間的借代，以秋葵來代表一人輕食份量，蘋果批則為兩人一起的約誓符號象徵。《(一個男人) 一個女人和浴室》幸福的表面底下卻充滿著暗湧，詞句與編曲矛盾地彼此衝撃，Ted Lo 將同一首旋律編得流行大路，正是藍定凌所代表的平凡主流，跟前度的激烈、自立後的個性背道而馳。

這段落的終章，是最早曝光的《人妻的偽術》，那段貫穿全曲的琴聲，竟跟日本電影《睡著吻別醒來抱擁》的配樂有著巧合的相似，後者帶點不安的詭異，表達片中麥與朝子的愛情危險並具破壞安穩的力量; 而前者正是站在想努力維繫表面和平假象的反面。《睡著吻別醒來抱擁》跟《The Album》主線同樣圍繞著一個女人周旋於兩男之間，一個較率性，一個較穩定; 有趣的是《睡》的率性只留在短暫一剎，穩定關係則有詳細發展，《The Album》則在率性結合後的長久年月後變質，而穩定一段維持似並不長久。這兩種抉擇教人聯想到謝安琪從前歌路形象的變化，也有著自由對平坦的兩難，像《節外生枝》高呼「捨平凡愛動盪」，又像她跟大公司的角力，只為堅持自我的音樂路線。

當謝安琪以浦銘心身份對藍定凌唱著「你是最穩的牆」，自會教人連結到《雞蛋與羔羊》的比喻，從而得見這段三角關係的命題延伸開去，就是自由對建制、雞蛋對高牆。只是麥浚龍對雞蛋們浪漫轟烈過後的未來相當悲觀，到最後演化成內部決裂，悲劇收場; 而藍定凌除了沉悶保守之外，也肯包容忍耐，似乎只是終極理想的夢幻對象，就及不上《睡》尾段揭破表面和諧的傷痕，彼此再不能信任的真實 (謝安琪在《入型入格》中惡搞過「港女」愛看的《獨家試愛》三部曲，正是這類結局的表表者)。

《The Album》還有下集，藍定凌怎樣應對妻子出軌還有待分曉，且看古天樂會否繼續獻聲以慰解一眾期待其大開金喉的樂迷。全碟以《沐春風》作結，延續著沐浴場景，亦回到《勇悍.17》的最初，只有一支結他，編曲回歸王雙駿主理，會否意味著從頭來過的可能? 然而演繹不再單純而變得成熟嫵媚，歌曲演進亦不再莽撞的向前衝，而是化作泡沫沖開去。既然不再是一個人，也不見一個男人在旁，那春風會來自誰呢? 這個碟末彩蛋，可謂留下意猶未盡的懸念尾巴，會帶來怎樣的隱藏人物或劇情? 可以肯定的是《沐春風》不是結束，而是另一階段的新開始。